Designers

Raffinesse und Einfachheit

Design und Sensibilität

Ein Meister des Designs

Ein junges Talent

Ein großer Name des Designs

Essentialität und Balance

Eine abwechslungsreiche Karriere

Elle Bernhardt und Paola Vella haben sie sich auf einem Designburo in Milan getroffen und haben eine enge Kooperation begonnen, die auf der gleichen Sicht des Designs aufgebaut ist. Die beiden haben verschiedene Berufserfahrungen im Ausland gehabt.
Seit 2008 arbeiten sie mit sehr wichtigen Firmen auf dem Sektor Einrichtung und haben verschiedene Produkte entwickelt und die künstleriche Leitung übernommen.

 "Es darf keine Kunst geben, die vom Leben losgelöst ist: Schöne Dinge, die man sich ansehen kann und schlechte Dinge, die man benutzen kann. "

Logik und Kreativität

Glasgow/Londra, 1868/1928
Charles Rennie Mackintosh wurde im Jahre 1868 in Glasgow geboren und starb am 10. Dezember 1928 in London. Er war eine jener Persönlichkeiten, die die Zeit direkt vor der Moderne nachhaltig geprägt haben. Sein Name wird vor allem mit dem Design der Glasgow School of Art in Verbindung gebracht: Er war treibende Kraft und wichtigster Vertreter der Gruppe namens „Glasgow School“ und zeichnete sich vor allem durch die Förderungen der authentischsten Werte der schottischen Ausdrucksweise und des neugotischen Stils aus. Die auch als „School of Ghosts“ bekannte Gruppe erlangte in ganz Europa – 1985 in Lüttich, 1896 in London, 1900 in Wien, 1902 in Turin, 1903 in Moskau, Budapest, usw. – Bekanntheit. Abgesehen von der Kunstschule sind seine interessantesten Werke zweifellos: die Villa „Windyhill“ in Kilmacolm (1900), das „Hill House“ in Helensburgh (1902-3), die Einrichtung des Derngate Hauses, Northampton (1916-20), und die Ausstattung der Willow Tearooms in Glasgow. Unter den Möbeln seiner Inneneinrichtungen ist vor allem der Stuhl - ein Gegenstand besonderer Aufmerksamkeit in der Kollektion „Cassina I Maestri“ - der Fokus für eine koordinierte räumliche Tätigkeit. Darin wird die kontrollierende Kraft der Komposition stets gelöst, manchmal in fließenden und grazilen Formen, manchmal in strengen geometrischen Formen artikuliert.

“Do more with less” Charles Eames

Parigi/Parigi, 1903/1999
Charlotte Perriand gehörte zu jener avantgardistischen kulturellen Bewegung, die ab den ersten Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts zu einer tiefgreifenden Änderung in den ästhetischen Werten führte und eine wahrhaft moderne Sensibilität gegenüber dem Alltagsleben hervorbrachte. In diesem Zusammenhang fokussiert sich ihr spezifischer Beitrag auf die Innenausstattung als Schaffung einer neuen Lebensart, die heute immer noch im Zentrum des zeitgenössischen Lebensstils steht. In der Geschichte der Einrichtung des 20. Jahrhunderts machte der Anbruch der Moderne die unternehmerische Kühnheit dieser echten Reformerin des Innendesigns möglich. Zu Beginn ihrer beruflichen Karriere wurde sie von den Kritikern für ihre gänzlich aus vernickeltem Kupfer und eloxiertem Aluminium konstruierte Bar Sous le Toit (Bar unterm Dach) gefeiert, die 1927 auf der Ausstellung Salon d'Automne präsentiert wurde. Im selben Jahr begann sie im Alter von erst 24 Jahren eine jahrzehntelange Zusammenarbeit mit Le Corbusier und Pierre Jeanneret im berühmten Designstudio in der Pariser rue de Sèvres 25. Ihre Präsenz im Studio von Le Corbusier ist in allen mit ihm und Pierre Jeanneret entworfenen Möbeln ersichtlich: So wurde Charlotte Perriand ein Eckpfeiler im Reformationsprojekt des Architekten und fügte dem oft kühlen Rationalismus von Le Corbusier eine deutliche Spur Menschlichkeit hinzu. In ihren Entwürfen gelang es ihr, die grundlegende Substanz des täglichen Lebens mit neuen ästhetischen Werten zu füllen: Insbesondere ihr Talent und ihr Gespür bei der Entdeckung und Verwendung neuer Materialien kommen voll zum Ausdruck. Die zehnjährige Zusammenarbeit mit Le Corbusier und Pierre Jeanneret und ihre Erfahrungen in Japan stellen Perioden eines intensiven kreativen Tatendrangs im Leben der Künstlerin dar. Während ihres langen Aufenthalts im Fernen Osten (1940-46) schöpfte sie ihr künstlerisches Talent voll aus, indem sie die Realität des Lebens neu interpretierte, um sowohl Tradition, als auch Moderne widerzuspiegeln. Besonders erwähnenswert sind z.B. die mit traditionellen Bambusverarbeitungstechniken hergestellten Möbel, welche die neuen, bereits mit Stahlrohren erprobten Formen zur Geltung bringen. Nach ihrer Rückkehr nach Paris konzentrierte sie sich auf eine Reihe von originellen und ausgewogenen Produktionen im Auftrag von hohen Behörden und führenden Unternehmen wie z.B. Air France, sowie zahlreichen ausländischen Organisationen. Mittlerweile hatte sie sich in der internationalen Szene einen Namen gemacht. Charlotte Perriands Persönlichkeit zeichnet vor allem ein große Loyalität zu den Prinzipien des menschlichen und innovativen Rationalismus aus, der stets in ihren Projekten steckt. Daran arbeitete sie mit großer Leidenschaft, auch im Hinblick auf deren „Revival“ in der Kollektion „Cassina I Maestri“.
 

Eine eklektische Persönlichkeit

Eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der Designwelt

Kreativer und multidisziplinärer Ansatz

Forschung und Design

 "Setzen Sie Ihre Seele hinein. Das ist die Grundregel, die ich in allem, was ich tue, setze. "

Il prof. Ezri Tarazi è un designer israeliano che ha ricevuto importanti riconoscimenti.  Il suo lavoro comprende progetti di industrial design, design sperimentale, installazioni, programmi educativi e scritti di teoria del design.

Sperimentazione, sogno e poesia.

Figura chiave nella storia del design italiano.

Como/Milano, 1905/1977
Er war eine Hauptfigur in der Stilbewegung des italienischen Rationalismus und brillierte in den Bereichen Architektur-, Möbel-, Industrie- und Museumsdesign. Nach seinem Diplom in Architektur am Mailänder Polytechnikum im Jahre 1929 arbeitete er mit den Designstudios Ponti und Lancia zusammen. Seine Arbeit für das Magazin Casabella spielte ebenfalls eine wichtige Rolle in seiner Entwicklung. Damit wendete er sich dem Rationalismus zu und wurde dessen Wortführer in der italienischen Kulturszene. Als er im Jahre 1931 sein eigenes Büro in Mailand eröffnete, widmete er sich dem herausfordernden Bau von Arbeiterwohnungen und verfolgte diese Richtung auch nach dem Krieg weiter. Dazu bot sich im Rahmen der Wiederaufbauprojekte gemeinsam mit Franca Helg ab 1952 die Gelegenheit. In den 1940er Jahren erweiterte Albini seine Zusammenarbeit mit Cassina, die mit Stuhldesigns begann, welche den Weg für seinen persönlichen Stil ebneten. Außerdem entwarf er auch Möbel für andere Firmen, wie z.B. Poggi. Mailand und Genua bilden die geographische Achse, wo Albini einen besonders bleibenden Eindruck hinterließ. Für die lombardische Hauptstadt gestaltete er die Untergrundbahnhöfe der Linie 1 (1962/63) in Zusammenarbeit mit Grafikdesigner Bob Noorda. Zu seinen zahlreichen Stadtentwicklungs- und Bauprojekten für Genua gehören die Museen Palazzo Bianco (1949/51), Palazzo Rosso (1952/62), und Tesoro di San Lorenzo (1952/56). Franco Albini wurden als Anerkennung für seinen kulturellen Beitrag zahlreiche Ehren zuteil. Unter anderem war er Mitglied des INU, des CIAM, der Accademia Ligustica di Genova, des MOMA in New York, der ADI, der Accademia di S. Luca, der Fondazione Pagano und der London Royal Society of Arts. Außerdem erhielt er zahlreiche Preise wie den La Rinascente-Compasso d’Oro für den Entwurf des Sessels Luisa (1955), die Bronzemedaille der Parsons School in New York (1956) für seinen Beitrag zum Industriedesign, den Olivetti Award für Architektur (1957), den Gran Premio Nazionale La Rinascente-Compasso d’Oro (1958), den La Rinascente-Compasso d’Oro für das Mailänder U-Bahn-Projekt der Linie 1 (1964) und den Titel Royal Designer for Industry der London Royal Society of Arts (1971). In all seine Werke - von Einrichtungen bis hin zu Industrie- und Museumsdesignprojekten - ließ Franco Albini stets eine logische Konsistenz, eine extreme Reinheit des Ausdrucks und eine außergewöhnliche ethische und historische Integrität einfließen. Die Architektur- und Designarbeit von Franco Albini ist ein Meilenstein der italienischen architektonischen Kultur des frühen 20. Jahrhunderts. Seine Arbeit war beseelt von einer kreativen und rigorosen Herangehensweise an Komposition und Bau mit einem besonders hohen Grad an Ästhetik.

Ein großer Architekt und Designer

Richland Center/Phoenix, 1867/1959
Wright wurde am 8. Juni 1867 in Richland Center, Wisconsin (USA) geboren. Schon vor seiner Geburt war seine Mutter davon überzeugt, dass das Kind in ihrem Bauch einmal der größte Architekt aller Zeiten werden würde. Selbst eine Lehrerin, entdeckte sie das Erziehungskonzept von Fröbel, dem Erfinder des Kindergartens, wonach ein Kind mithilfe grundlegender geometrischer Figuren und Formen zeichnen lernt. Sein Vater war Prediger und Musiker und lehrte seinen Sohn, Musik als „Tongebäude“ zu verstehen. Im Alter von zwanzig Jahren verließ er sein Zuhause und reiste nach Chicago, um sich der Architektur zu widmen. Dort entdeckte er die Arbeiten von Adler und Sullivan, bewarb sich für einen Job und arbeitete nahezu sieben Jahre direkt unter Louis Sullivan. 1893 eröffnete er sein eigenes Büro. Seine Arbeit in und um Chicago in den Jahren zwischen 1893 und 1909 läutete eine neue Ära in der Architektur ein. Das „Larkin Building“ und der „Unity Temple“ erfuhren Innovationen in Design und Technik, die durch die Technologie und die Materialien des zwanzigsten Jahrhunderts ermöglicht wurden. Durch verstärkten Beton, Glas, Stahl, Blech und die Winkelstützmauer entwickelte er eine Architektur, in der die Realität eines Gebäudes der Platz in seinem Inneren war. Dieses ausweichende - beinahe von Natur aus mystische - Element des freigelegten Innenraums durchzieht die Qualität all seiner Bauwerke. Im Jahre 1932 gründeten Wright und seine Frau Olgivanna die Taliesin Fellowship, eine Architekturschule in ihrem eigenen Zuhause. Bald kamen die berühmten Aufträge für Fallingwater und das Johnson Wax Administration Building. Mit der Arbeit wuchs auch seine kreative Schaffenskraft. Die Vielfalt an Formen, Ideen, Figuren, Räumen, Konzepten und Innovationen, die aus ihm heraus sprudelten, schien kein Ende zu nehmen. Hinter ihm stand eine Gruppe von Leuten, die sich der Konzeption organischer Architektur verschrieben hatten: Mit den Mitgliedern der Taliesin Fellowship gründete er die Frank Lloyd Wright Foundation, die die Arbeiten, Archive und Prinzipien des großen Meisters fortführen.

Radikale Design

Berühmten

Utrecht/Utrecht, 1888/1964
Gerrit Thomas Rietveld, geboren in Utrecht am 24. Juni 1888, scheint zwei so unterschiedliche Persönlichkeiten in sich zu vereinen, dass man meinen könnte, seine Arbeiten stammten von mehr als einem Künstler. Die erste Persönlichkeit steckt im Kunstschreiner, der in einer ursprünglichen Ausdrucksweise arbeitet, Stühle und andere Möbel neu erfindet, als ob niemand zuvor sie gebaut hätte, und einem gänzlich eigenen strukturellen Code folgt; die zweite Persönlichkeit ist der Architekt, der elegante Formeln benutzt und dazu entschlossen ist, die rationalistische und neoplastizistische Botschaft im Kontext der europäischen Kultur zu vermitteln. Die beiden Tätigkeitsbereiche überlappen einander und verschmelzen in einer perfekten Osmose, um sich dann in einer logischen Folge zu entfalten. Im Jahre 1918 trat Rietveld der Bewegung „De Stijl“ bei, die aus einer im Jahre zuvor von Theo van Doesburg gegründeten Strömung hervorgegangen war. Die Gruppe assimilierte und übersetzte einige Gesetze über die dynamische Aufschlüsselung von Kompositionen (indem sie ins Extreme getrieben werden), die bereits von den Kubisten in der Malerei zum Ausdruck gebracht worden waren: die Künstler von „De Stijl“ widmeten sich auch einer sorgfältigen Analyse der architektonischen Lektionen des großen Frank Lloyd Wright, dessen Einfluss damals in Europa deutlich zu spüren war. Durch seine Zusammenarbeit mit Robert van't Hoff und Vilmos Huszar und später mit Theo van Doesburg und Cornelius van Eesteren wurde Rietveld bald einer der herausragendsten Interpreten der neoplastizistischen Botschaft. Zu seinen wichtigsten Werken gehören: das Schröder Haus in Utrecht (1924); die „Reihenhäuser“ in Utrecht (1931-34); der niederländische Pavillon bei der Biennale in Venedig (1954); der Skulpturenpavillon im Rijksmuseum Kröller-Müller in Otterloo und das Van Gogh Museum in Amsterdam (1955). Aus seinen ebenso bedeutenden Möbelkreationen hat Cassina folgende Exemplare für die Produktion ausgewählt: „Red and Blue“ (1918), „Zig-Zag“ (1934), „Schröder 1“ (1923), „Utrecht“ (1935)
 

Designer, Architekt, Stadtplaner, Porträtist

Geschichte des Designs

Geboren in Vicenza, beginnt Gino Carollo im Jahre 1990 seine Tätigkeit im Bereich des Industrial Design durch Zusammenarbeit mit namhaften italienischen und ausländischen Unternehmen aus dem Möbelbereich auch als Art Director. Er entwirft im Auftrag von Assarredo die Einrichtung und das koordinierte Image für den Pavillon "Italien" bei der internationalen Möbelmesse von Köln in den Jahren 1992 und 1993 sowie wiederum im Jahre 1992 den italienischen Pavillon bei der Messe "Interieur" von Wien. Im Jahre 1993 beteiligt er sich bei der Ausstellung "Dirattan" in Mailand und im Jahre 1994 an der Ausstellung "Progetti e Territori" bei der Messe "Abitare il Tempo" in Verona. Einige Produkte wurden beim MoMA in New York ausgestellt. In den gleichen Jahren erhält er die Auszeichnungen "Du Pont" in Köln, "Young Design" in Mailand und "Casaidea" in Rom. Im Jahre 2012 erhält er in Köln den Interior Innovation Award für das Produkt "Bookless" von Interlübke. Im Jahre 1999 eröffnet er das STUDIO28 GINO CAROLLO mit dem Ziel, ein qualifiziertes Team zur Unterstützung der Unternehmen des Fachbereichs zu bilden. Das Design des Produktes in Verbindung mit der Produktentwicklung und der Herstellung von Modellen und Prototypen haben sich als Instrumente herausgestellt, die es dem Studio ermöglicht haben, im Laufe der Jahre konkrete Ergebnisse zu erzielen und eine langfristige Zusammenarbeit aufzubauen. Die Tätigkeit des Industrial Design des Studio 28 hat sich in diesen Jahren mit der Einführung neuer Kompetenzbereiche durch die besondere Entwicklung im Bereich des architektonischen Entwurfs von Ausstellungsräumen, Showrooms und Corporate Identity erweitert.

Milano/Milano, 1891/1979
Der Architekt, Designer und Künstler Gio Ponti (Mailand 1891-1979) schloss 1921 in Mailand sein Studium ab und ging anfangs eine Partnerschaft mit Emilio Lancia und Mino Fiocchi ein, die von 1927 bis 1933 andauerte. 1927 gründete er mit Lancia, Buzzi, Marelli, Venini und Chiesa die Gruppe Il Labirinto, um hochqualitative Möbel und Objekte herzustellen. Von 1927 bis 1933 war er Richard Ginoris künstlerischer Leiter. Dank der Gründung des Magazins Domus im Jahre 1928 (das er bis zu seinem Tod fast kontinuierlich leitete), leistete Ponti einen wichtigen Beitrag zur Erneuerung der italienischen Produktion der Branche und lieferte ihr neuen Schwung. Ponti war ein wichtiger Unterstützer der Monza Biennale, der Mailänder Triennale, der Compasso d'Oro Awards und der ADI, der italienischen Vereinigung für Industriedesign. Als Architekt schuf er das Symbol des modernen Mailands, den Pirelli Wolkenkratzer - 1956 zusammen mit Fornaroli, Rosselli und Nervi entworfen. 1951 kreierte er den Secondo Palazzo Montecatini (sein erstes Bürogebäude geht auf die Jahre 1938-39 zurück). 1957 entwarf er den bejubelten Sessel Superleggera für Cassina, die Krönung einer langen und erfolgreichen Zusammenarbeit. Zu seiner Planungsarbeit gesellte sich eine Lehrtätigkeit - er unterrichtete von 1936 bis 1961 an der Fakultät für Architektur in Mailand.
 

Kunst und Ausdruckskraft

Ein kreativer Geist

Inspiration und Wissen

Verbindung zwischen dem freien niederländischen Geist und der lateinischen Sinnlichkeit

Liebe zu Farbe und Materialien

Strenge und kompositorische Freiheit

Universelles Talent

Labirinti di fili in un’elegante mescolanza di colori

Jaime Hayon, artista e designer spagnolo, è nato a Madrid nel 1974. Dopo gli studi di design industriale Hayon ha creato alcune serie di elementi d’arredo per diverse aziende:Fritz Hansen, Magis, Established & Sons, Bisazza, B.D. di Barcellona, Sé di Londra, Bernhardt Design, Ceccotti e Moooi. Ha disegnato numerose collezioni d’illuminazione per Metalarte e ha collaborato anche con Swarovski e Baccarat; ha inoltre realizzato accessori per Piper Heidsieck, Gaia & Gino e The Rug Company. Grazie a queste collezioni Jaime occupa una posizione di primo piano come esponente di una nuova generazione di designer che hanno cancellato il confine tra arte, decorazione e design, favorendo la rinascita di oggetti complessi e finemente lavorati all’interno del contesto della cultura contemporanea del design.
In aggiunta agli arredamenti di interni per il ristorante La Terraza del Casino a Madrid e per una serie di negozi di calzature Camper che hanno riscosso notevole successo, Jaime è attualmente impegnato in una serie di progetti di arredo per importanti alberghi, ristoranti e boutique in tutto il mondo che sono diventati il trampolino per creare oggetti esclusivi ed elementi funzionali o decorativi.
Hayon ha di recente terminato gli arredi del negozio di gioielli Octium in Kuwait, il Fabergé Salon a Ginevra in Svizzera e l’Info Center per il Groninger Museum in Olanda. L’arredo del più recente ristorante Le Sergeant Recruteur a Parigi è un ottimo esempio di eleganza e di approccio artistico nel mondo dell’arredamento d’interni. Le sue opere sono state pubblicate nelle testate d’arte e design più prestigiose al mondo. Ha vinto numerosi premi e riconoscimenti tra i quali ‘Best Installation’ da Icon Magazine, ‘Breakthrough Creator’ dalla rivista Wallpaper, Elle Deco International Award 2006 e 2012, Elle Deco Germania, 'Best International Designer' 2008, 'Best Designer' per Elle Deco Giappone nel 2008, 'Designer of The Year' 2009 per AD Russia, Maison Objet Designer Of The Year 2010 e molti altri. Nel 2008, Jaime è stato ospite d’onore della Biennale Interieur in Belgio, il più giovane artista in assoluto ad aver mai ricevuto questo riconoscimento.
Il quotidiano Times lo ha inserito tra i 100 designer contemporanei più importanti e anche il Wallpaper magazine lo ritiene uno degli artisti più influenti. Con uffici in Italia, Spagna e Giappone, Hayon è alla continua ricerca di nuove sfide e prospettive.
 

Unkonventionelles Design

Berühmt und preisgekrönt

Ästhetik und Funktionalität

Eine große Persönlichkeit des Designs

Eine vielversprechende Karriere

Leidenschaft für Design

Chaux-de Fonds/Roquebrune-Cap-Martin, 1887/1965
Charles-Edouard Jeanneret, besser bekannt als Le Corbusier, wurde im Jahre 1887 in La Chaux-de-Fonds, im Schweizer Jura geboren; er starb in 1965 Frankreich, in Cap Martin, an der Côte d’Azur.
Am Anfang seiner Karriere stieß er mit seinem Oeuvre auf gewissen Widerstand aufgrund seiner angeblichen „revolutionären“ Natur und des radikalen Looks durch seine „puristischen“ Experimente; im Laufe der Zeit sicherte er sich jedoch die ihm zustehende Anerkennung und wird heute noch immer tief verehrt. Seine Botschaft wird auch heute von immer mehr Menschen der Branche assimiliert, aber seine unkonventionellen, avantgardistischen Standpunkte sollten mit gebührender Berücksichtigung der rationalen Systeme in seiner Planungsmethode interpretiert werden, die durch extrem einfache Module und Formen auf Basis der funktionalen Logik unterstrichen werden. „Ein Funktionalismus, der nicht so sehr zu einer Erhöhung der mechanischen Funktion auf Kosten der Symbolik, als vielmehr zur Zurückweisung des Symbols, das er nun als veraltet und bedeutend ansieht, und zur Wiederherstellung der praktischen Funktion als Symbol neuer Werte tendiert“.(¹) In seiner Tätigkeit als Städteplaner, Architekt und Designer entwickelte sich seine Forschungsmethode weiter und erreichte manchmal das entgegengesetzte Extrem einer reichen, plastischen Ausdrucksweise. Beispiele dafür sind: Unité d’Habitation, Marseille (1946-52); die Kapelle Notre Dame du Haut von Ronchamp (1950-55); das Dominikanerkloster Sainte-Marie de la Tourette (1951-56); das Centre Le Corbusier in Zürich (1964-65) und das Krankenhaus in Venedig (1965). Annähernd dasselbe Engagement findet sich in den Möbeln des Equipement de l’habitation (Tische, Stühle, Sessel, Sofas) für den Salon d’Automne (1928) mit Pierre Jeanneret und Charlotte Perriand und den „Casiers Standard“, einem System aus Schrankmöbeln im standardisierten Format für den Pavillon de l'Esprit Nouveau (1925) mit Pierre Jeanneret. Cassina bietet diese als „up-to-date“ geltenden Möbel wieder an; die klare und essentielle „Form“ lässt sich bestens an neue Zeiten und Umgebungen anpassen und liefert stets eine neue Bedeutung.

Im Jahre 1922 begann Le Corbusier in seinem neuen Atelier in der Rue de Sèvres mit seinem Cousin Pierre Jeanneret zu arbeiten, mit dem er Forschungsprojekte und Designkriterien in einer tiefen und lebenslangen beruflichen Partnerschaft teilte. Im Oktober 1927 beschlossen die beiden, eine junge Architektin, die sich in der damaligen Architekturszene bereits einen Namen gemacht hatte, ins Boot zu holen: Charlotte Perriand. Ihre Zusammenarbeit dauerte bis 1937 an und war - vor allem im Bereich Möbeldesign - äußerst fruchtbar. Die Partnerschaft war sowohl im Hinblick auf das kulturelle Gewicht ihrer Errungenschaften, als auch in Bezug auf ihre beruflichen Erfolge höchst bedeutsam. Zusammen mit Charlotte Perriand nahmen die beiden das innovative Projekt für „L’équipement de l’habitation“ in Angriff. Die daraus hervorgehenden Entwürfe besaßen einen hohen intellektuellen Wert und verzeichneten einen beträchtlichen kommerziellen Erfolg. Dank Cassinas laufender Produktion gab es ein kontinuierliches Interesse an den konzeptuellen Inhalten der Arbeit und an dessen Qualitätsniveau. Dank dieser Eigenschaften wird jedes Exemplar der Kollektion sehnsüchtig erwartet.

Im Jahre 1922 begann Le Corbusier in seinem neuen Atelier in der Rue de Sèvres mit seinem Cousin Pierre Jeanneret zu arbeiten, mit dem er Forschungsprojekte und Designkriterien in einer tiefen und lebenslangen beruflichen Partnerschaft teilte. Im Oktober 1927 beschlossen die beiden, eine junge Architektin, die sich in der damaligen Architekturszene bereits einen Namen gemacht hatte, ins Boot zu holen: Charlotte Perriand. Ihre Zusammenarbeit dauerte bis 1937 an und war - vor allem im Bereich Möbeldesign - äußerst fruchtbar. Die Partnerschaft war sowohl im Hinblick auf das kulturelle Gewicht ihrer Errungenschaften, als auch in Bezug auf ihre beruflichen Erfolge höchst bedeutsam. Zusammen mit Charlotte Perriand nahmen die beiden das innovative Projekt für „L’équipement de l’habitation“ in Angriff. Die daraus hervorgehenden Entwürfe besaßen einen hohen intellektuellen Wert und verzeichneten einen beträchtlichen kommerziellen Erfolg. Dank Cassinas laufender Produktion gab es ein kontinuierliches Interesse an den konzeptuellen Inhalten der Arbeit und an dessen Qualitätsniveau. Dank dieser Eigenschaften wird jedes Exemplar der Kollektion sehnsüchtig erwartet.
 

Raffinesse und Linearität

Optimale Zusammenarbeit

Einfachheit und Nachhaltigkeit

Eklektische Persönlichkeit

Das "gute Design"

Technologie und Stilforschung

Große Einblicke

Marco Zanuso (1916-2001) war einer der herausragendsten Vertreter der Kultur der Moderne als Architekt, Designer und Universitätsdozent. Nach seinem Studium am Polytechnikum im Mailand war er von 1946-1947 Mitherausgeber der Zeitschrift Domus mit Ernesto N. Rogers und erhielt mehrmals die Goldmedaille der (VIII., IX., X. und XIII.) Mailänder Triennale, den Großen Preis der (IX., X. und XIII.) Mailänder Triennale, sowie (zwischen 1956 und 1985) fünf Mal den Compasso d'Oro. Zanuso war einer der ersten Designer in Italien, der sich für die Industrialisierung von Produkten interessierte. Dabei ging er über die ästhetische Frage hinaus, um Variablen technologischer, industrieller, vertriebstechnischer und kommunikativer Art mit einzubeziehen. Die Form eines für die Serienproduktion gedachten Gegenstands ist laut Zanuso eine Synthese aus Möglichkeiten, Experimenten und Innovationen im konkreten Prozess, der die Kreativität, die Produktion und den soziokulturellen Kontext miteinander verbindet. „Ich versuche, der sogenannten Komplexität mit einem Projekt eine Form zu verleihen.“ Marco Zanuso.
 

Milan 1935
Mario Bellini ist ein international bekannter Architekt und Designer. Er bekam insgesamt acht Mal den Compasso d'Oro, weitere prestigeträchtige Architekturpreise sind z.B. die Goldmedaille (Medaglia d'Oro) des Präsidenten der Italienischen Republik für seinen Beitrag zur weltweiten Förderung von Design und Architektur (2004) und den Ambrogino d’Oro der Stadt Mailand für zivile Verdienste  (2011). Er hat Vorträge in vielen der weltweit größten Kulturzentren gehalten und war von 1985 bis 1991 Herausgeber des Magazins Domus. 25 seiner Arbeiten befinden sich in der ständigen Designsammlung des New Yorker MoMA, das ihm im Jahr 1987 eine persönliche Retrospektive gewidmet hat. Im Laufe der Jahre nahm er an unzähligen Kunst-, Design- und Architekturausstellungen im In- und Ausland teil. Seit den 1980er Jahren widmet er sich fast ausschließlich der Architektur. Zu den vielfältigen Projekten, die er entworfen hat, gehören das Messeviertel Portello in Mailand, das Ausstellungszentrum Villa Erba in Cernobbio (Como), das Tokyo Design Centre in Japan, das Natuzzi Americas Headquarter in den Vereinigten Staaten, die Messe Essen in Deutschland, die Nationalgalerie von Victoria in Melbourne, der Hauptsitz der Deutschen Bank in Frankfurt am Main, der Verona Forum Komplex, das Museum für Stadtgeschichte in Bologna, die Abteilung für islamische Kunst im Louvre in Paris, und das neue Mailänder Kongresszentrum, das größte in Europa. Derzeitige Projekte umfassen die Umbauarbeiten an der Pinacoteca di Brera in Mailand. Kurz vor Abschluss stehen der Erzelli Wissenschafts- und Technologiepark in Genua und der Civic Marble's Square in Carrara. Verschiedenste Projekte befinden sich im Designstadium, darunter die „New Eco-City“ in Zhenjiang in China und ein großer Wohn-, Kultur- und Sportkomplex in Qatar.

Mario Cananzi nasce a Rimini nel 1958, e compiuti gli studi universitari a Firenze, vi consegue nel 1985 la laurea in Architettura, con una tesi relativa alla progettazione di un prototipo motociclistico. Dal 1986 svolge l’attività di architetto e designer prima a Rimini poi dal 1989 a Milano dove presso la Domus Accademy ottiene un Master in Industrial Design. In qualità di designer, nel settore del mobile opera con numerose aziende quali Edra, Vittorio Bonacina, Disform, Metals, Oliko, Masterly, Steel, Morphos, Mimo, Sawaya&Moroni. Ha collaborato con aziende nternazionali del settore motociclistico, come Piaggio, Bimota, Yamaha, KTM e Aprilia. Tra i riconoscimenti e le segnalazioni, nel 1992 il premio “Forum Design” al Salone del Mobile di Milano, per la poltroncina “Quadronda” prodotta da Vittorio Bonacina & C. L’anno seguente, in occasione del Salone del Mobile di Colonia, a cura della Dupont International, il premio “Top Ten” per il divano “Tatlin” prodotto da Edra.
Nato a Rimini nel 1959, Roberto Semprini studia architettura a Firenze. Nel 1987 aderisce al movimento Bolidista, che esprime il design in chiave simbolica. Trasferitosi a Milano inizia a collaborare come giornalista free-lance per alcune riviste di design come Modo, L’Atelier (Parigi) ARDI (Barcellona) e Vogue Italia. Nel 1989 progetta il divano “Tatlin” di Edra, che risulta tra i prodotti vincitori del prestigioso premio TOP TEN a Dusseldorf. Nel 1994 con il tavolino “Manta” per Fiam è tra i vincitori del premio Young & Design. I suoi prodotti fanno parte della collezione permanente del Montreal Museum of Decorative Arts in Canada e del New Museum of Design di Londra. Nel 2000 si trasferisce a Rimini dove inaugura lo spazio “RM 12 art & design”, Galleria d’arte e Studio di Design e Architettura di Interni. Dal 2006 lo studio realizza scenografie di grande impatto, inerenti la ricerca di nuovi spazi domestici e pubblici, all’interno della parte culturale di eventi fieristici come il Fuori Salone di Milano, Abitare il Tempo a Verona, Sun e SIA di Rimini. Nel 2010 è stato invitato dal Seoul Living design Fair (Korea) ad esporre “La casa Italo/coreana”. Ha collaborato come designer e direttore artistico di numerose aziende di design come Fiam, Moroso, Alivar, Rede Guzzini, Edra, Slide,Contempo, Dilmos, Pedrali, Morelato, Morfeus, Scab, Valdichienti, Edilco Scale, L2, Mastella, Marchetti Illuminazioni, ect… Ha tenuto conferenze e seminari in diverse Università come: Facoltà di Architettura di Firenze,l Politecnico di Milano, Scuola Superiore di Progettazione dell’Università degli Studi di Bologna, lo I.E.D. di Milano,la LABA di Brescia, la Scuola Elisava di Barcellona (Spagna), la Tsinghua University di Pechino (Cina). E’ stato docente di ruolo all’Accademia di Belle Arti di Brera dal 1996 al 2016 e attualmente è docente di ruoloe Coordinatore del Corso di product Design  all’Accademia di Belle Arti di Bologna. Dal 2015 è docente per Chiara Fama al Politecnico di Milano con il corso di “Outdoor Design Progetti En Plein Air”. Ha vinto il Premio Gold Design Award 2017, con il progetto del tavolo nemo per l’azienda Scab Design.

Masanori Umeda è nato nel 1941 a Kanagawa in Giappone. Si è diplomato presso la Kuwasawa School of Design di Tokio nel 1962. Nel 1967 è andato a vivere a Milano e ha lavorato nello studio di Achille Piergiacomo Castiglioni. Dal 1970 al 1979 è stato consulente di design per Olivetti. Nel 1980 è tornato in Giappone e ha aperto il suo studio. U-Metadesign Inc. Tra i suoi progetti più importanti del 1981 è il letto Tawaraya per Memphis e le sedute Getsuen, Rose Chaie e Soshun per Edra. Ha partecipato a diverse mostre internazionali e ha vinto il premio Braun in Germania nel 1968, il premio giapponese per il design commerciale associato nel 1984 e il primo premio per il design del vetro nel 1986.

Massimo Lorusso nasce a Bari nel 1967. Nel 1986 si trasferisce a Firenze, dove vive e lavora ancora oggi, per frequentare gli studi alla facoltà di Architettura. Fondamentale per la sua formazione professionale il periodo trascorso all'interno del Centro Ricerche e Sviluppo di B&B Italia, dove viene a contatto diretto con la realtà produttiva ed organizzativa dell'industrial design. Dal 1992 per tre anni, collabora con il dott. Arch. Francesco Quinterio elaborando graficamente numerose pubblicazioni e svolgendo attività di assistente al suo corso di Storia dell'Architettura a Firenze. All'esperienza universitaria, affianca nello stesso periodo, collaborazioni con lo Studio Miranda Ferrara. Nel 1999 entra in Arketipo in qualità di responsabile dell'ufficio tecnico, progettazione ed allestimento degli stand fieristici per il Salone Internazionale del Mobile di Milano e del Salone del Mobile di Colonia. Oltre a questa sua attività, dal 2006 collabora come designer con Arketipo.

Protagonista della scena del design italiano

Kreative Köpfe

Wesentliche Formen und klare Linien

Muse des Surrealismus

Michael Anastassiades è un  designer cipriota, che lavora a Londra. Il suo lavoro ha l'intento di stimolare dialogo, partecipazione e interazione. Crea oggetti minimal, utili e pieni di vitalità. I suoi lavori sono esposti anelle collezioni permanenti del Museum Of Modern Art di New York, Victoria and Albert museum, Crafts Council di Londra, FRAC Centre di Orleans e MAK di Vienna. Ha collaborato con numerose aziende quali: Flos, Puiforcat, Cassina, Lobmeyr e Svenskt Tenn. Nel 2007 ha fondato la sua azienda, che produce lampade, mobili, gioielli e oggettistica.

Design und Handwerk

Engagement und Leidenschaft

Eklektischer Stil

Das Wesen des Designs

Bildhauer mit großer Persönlichkeit

Eine globale Vision

Patricia Urquiola è nata a Oviedo (Spagna). Vive e lavora a Milano. Ha studiato Architettura al Politecnico di Madrid e al Politecnico di Milano, dove si è laureata nel 1989 con Achille Castiglioni. È stata assistant lecturer per Achille Castiglioni; ha collaborato con Vico Magistretti; è stata responsabile Design per  Lissoni Associati. Nel 2001 apre il proprio studio lavorando nei settori del product design, interni e architettura. Tra i suoi progetti più recenti in architettura: Il museo del Gioiello di Vicenza, l’Hotel Mandarin Oriental di Barcellona, l’Hotel Das Stue a Berlino, la Spa dell’Hotel Four Seasons di Milano; progetti retail e allestimenti  per Gianvito Rossi, BMW, Cassina, Ferragamo, Flos, Missoni, Molteni, Officine Panerai, H&M, Santoni, Pitti Uomo Firenze. Ha realizzato prodotti per le più importanti società italiane e internazionali, tra cui: Agape, Alessi, Axor-Hansgrohe, B&B Italia, Baccarat, Boffi, Budri, De Padova, Driade, Flos, Gan, Georg Jensen, Glas Italia, Haworth, Kartell, Kettal, Kvadrat, Listone Giordano, Louis Vuitton, Molteni, Moroso, Mutina, Rosenthal e Verywood. Alcuni dei suoi prodotti sono esposti nei maggiori musei di arte e design,  tra cui il MoMa di New York, il Les Arts decoratifs di Parigi, il Museo di Design di Zurigo, il Vitra Design Museum di Basilea, il Victorian&Albert Museum di Londra, lo Stedelijk di Amsterdam  e il Museo della Triennale di Milano. Ha vinto diversi premi internazionali tra cui: la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Governo Spagnolo: l’Ordine di Isabella la Cattolica, consegnato da Sua Maestà il Re di Spagna Juan Carlos I, “Designer del decennio” per le riviste Home e Häuser, “Designer dell’anno” per le riviste Wallpaper, AD Spagna, Elle Decor International e Architektur und Wohnen. E’ Ambassador di Expo Milano 2015. Settembre 2015 Patricia Urquiola nominata Art Director di Cassina.

Nantes 1967
Nato a Nantes nel 1967, Patrick Jouin si diploma all’Ensci-les Ateliers nel 1992. Lavora come designer alla Compagnie des Wagon-lit e nel 1993 inizia una breve collaborazione con un’azienda produttrice di televisori, sotto la direzione artistica di Philippe Starck, nel cui studio lavorerà poi fino al 1999. Jouin firma le prprie creazioni dal 1998: sedie, divani e letti, un progetto d’auto e stand per vari saloni dell’automobile, in collaborazione con Imaad Rahmouni. La collaborazione con Alain Ducasse, celebre cuoco francese, lo porta alla ribalta internazionale: Jouin realizza ristoranti a Parigi e a New York, progettando l’architettura d’interni e l’arredamento. Per Cassina, Jouin disegna una famiglia di prodotti (tavolo, sedie, divano, complementi) che debutta al Salone del Mobile di Colonia 2003.

 Einblicke und Emotionen

Forza espressiva

Eine eklektische Persönlichkeit

Mächtige Einblicke

Technische Innovation und reines Design

Geboren 1954 und Mitglied der Mailänder Tradition, die Designer wie Castiglioni, Zanuso, Magistretti und de Lucchi hervorbrachte, schloss er im Jahre 1979 sein Architekturstudium am Mailänder Polytechnikum ab. Seither hat er für die führenden Firmen im Möbel- und Beleuchtungssektor gearbeitet. Für einige davon erstellt und koordiniert er als Designchef die Produktstrategie. Seit Jahren arbeitet er als Designer und Berater für hochrangige Marken, für den Bereich Produktdesign mit Artemide und Moroso und für Geschäfte, Showrooms und Ausstellungen mit Panasonic und Dolce & Gabbana. Er entwirft auch Wohnbauprojekte, Pläne für Villen, Industriegebäude, Restaurants und Hotels in Italien und auf der ganzen Welt. 2005 gründete er  mit Alessandro Acerbi und Luca Zaniboni das Studio Dordoni Architects, das sich vor allem mit architektonischer Planung und Innenarchitektur beschäftigt.
 

Internationales Design

Rigorös und leidenschaftlich

Synthese zwischen zwei Kulturen

Innovatives und funktionales Design

1930
Dopo la laurea in Chimica (1950) e il master in Business administration (1951) presso la Cornell University, Theodore Waddell consegue un master in Architettura presso la University of Pennsylvania (1964) e quindi la laurea summa cum laude in Architettura a Firenze (1968). Esercita la professione di architetto e di industrial designer per 15 anni in Italia, facendosi apprezzare anche come fotografo. Ritorna negli Usa e si stabilisce a Santa Fe, New Mexixo, dove attualmente vive e lavora. Cinque sue lampade sono al Musee des Arts Decoratifs di Parigi, due sono inserite nella collezione permanente del MoMA di New York (il museo gli dedica un’esposizione speciale nel 1969). I tavoli 713/714 Tensegrity disegnati per Cassina sono in produzione dal 1972.

Forschung über die technischen und ästhetischen Möglichkeiten des Materials

Osaka 1942
1942   Geburt in Osaka, Japan.
1964  Abschluss in Industriedesign am Naniwa College, Osaka.
1969   Erweiterung seines kreativen Schaffens von Japan nach Italien.
1975   Verleihung des Japan Interior Design Preises.
1981   Verleihung des Preises Kitaro Kunii Industrial Design Award. "WINK" (Stuhl) --für die ständigen Sammlungen des MoMA in New York ausgewählt.
1983   Tisch "KICK", Sieger der Kategorie Wohnmöbel einer New Yorker Zeitschrift für Industriedesign. Gewinn des "Product Design Award" des Institute of Business Designers and Contract Magazine in den Vereinigten Staaten. Vorlesung an der DOMUS ACADEMY in Italien.
1984   "KICK" (Tisch) --für die ständigen Sammlungen des MoMA in New York ausgewählt. "WINK" (Stuhl), "KICK" (Tisch) --für die ständigen Sammlungen des Museums für Kunst und Gewerbe in Hamburg, Deutschland, ausgewählt.
1985   Vorlesung an der University of Washington (Seattle) in den Vereinigten Staaten. Vorlesung beim „Italian and American Symposium“ in Los Angeles.
1987  "WINK" (Stuhl), "KICK" (Tisch) --für die ständigen Sammlungen des Museums für Kunst und Gewerbe in Hamburg, Deutschland, ausgewählt. Teilnahme an den Feierlichkeiten zum 10-Jahr-Jubiläum des Centre Georges Pompidou.  Präsentation von "CEREMONIAL SPACE".
1988   Ausstellung in Barcelona und Wien.
1990   Ausstellung in Mailand. Gewinn des Preises Delta de Oro, Spain.
1991   Ausstellung im Hiroshima City Museum of Contemporary Art in Japan.
1992   Entwurf der Stühle und der Inneneinrichtung für das Drehtheater im japanischen Pavillon der Expo 92 in Sevilla. Mitglied der Jury für DELTA ADI FAD, Spanien. Ausstellung in Helsinki, Finnland.
1993   Gastprofessor an der Universität für Angewandte Kunst in Wien 1997   "MULTI LINGUAL CHAIR" --für die ständigen Sammlungen des Museum of Modern Art in New York und des Centre Georges Pompidou in Paris ausgewählt.
1998   Mitglied der Jury beim Pro Finnish Design Contest, Helsinki. 13 seiner Werke wurden für die ständigen Sammlungen des Museums für Moderne Kunst in Saint-Étienne, Frankreich ausgewählt.
1999   Ausstellung in Helsinki.
2001   Ausstellung "L'anima del design" in Mailand. Ausstellung im Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburg, Deutschland. "LIQUID CRYSTAL DISPLAY TV" und "WINK" (Stuhl) --für die ständige Sammlung des Centre Georges Pompidou, Paris, ausgewählt.
2002   Ausstellung im Showroom Silvera in Paris. Ausstellung und Vortrag auf der internationalen Möbelmesse in China.
2003   Ausstellung in Frankfurt, Barcelona, Mailand und Verona. Ausstellung in Mailand.
2004   Vortrag beim Industrial Design Summit in China. Vorsitzender Japan Good Design Award. Als Professor an die Osaka University of Arts berufen (Vorsitzender der Fakultät für Design)
2005   Ausstellung "anima" in Amsterdam.
2006   Organisator der Ausstellung "50th Japan GOOD DESIGN AWARD" in Mailand.
2007   Ausstellung "IL FUTURO DELLA TRADIZIONE" in Mailand.
2008   Ausstellung "Natura e Tecnologia" in Mailand.
2009   Ausstellung "KITA. FUTURA DELIGHT" in Mailand. Ausstellung "Timeless Future" in Shanghai, China. Organisator des  "Japan Creative Centre" in Singapur. Organisator der Internationalen Handelsmesse  "Living & Design" in Osaka, Japan.
2010   Ausstellung "Timeless Future" in Mailand. Einladung zur Ausstellung in Foshan, China. Einladung zur Ausstellung in Guangzhou, China Organisator der Internationalen Handelsmesse "Living & Design" in Osaka, Japan
2011   Ausstellung "Kita’s Collection” im MAISON & OBJET Verleihung des Preises Compasso d'Oro alla carriera internazionale im Juli 2011 in Italien.

Ein Meister des Designs

"Einfachheit ist das härteste Ding der Welt"

Zaha Hadid (Baghdad, 31 ottobre 1950 - Miami, 31 marzo 2016) architetto e designer, è stata fra gli interpreti più significativi del decostruttivismo in architettura. Nata a Baghdad, in Iraq, da una famiglia benestante, il padre era un ricco industriale e un importante politico, è cresciuta in uno dei primi edifici bauhaus di ispirazione a Baghdad durante un'epoca in cui "modernismo" significava glamour e pensiero progressista" in Medio Oriente. Ha conseguito una laurea in matematica alla American University di Beirut prima di trasferirsi a Londra, nel 1972, per studiare alla Architectural Association, dove ha incontrato Rem Koolhaas, Elia Zenghelis e Bernard Tschumi. Dopo aver conseguito il titolo ha lavorato con i suoi ex professori, Koolhaas e Zenghelis, presso l'Office for Metropolitan Architecture (OMA), a Rotterdam, nei Paesi Bassi, diventando socia nel 1977. Attraverso la sua associazione con Koolhaas ha incontrato Peter Rice, l'ingegnere che le ha dato sostegno e l'ha incoraggiata nella fase iniziale, in un momento in cui il suo lavoro sembrava difficile. Vincitrice di molti Concorsi Internazionali di Architettura, molti suoi progetti non furono mai costruiti, come ad esempio il Peak Club in Hong Kong (1983) e il Cardiff Bay Opera House in Galles (1994). Nel 1999 è la progettista per il palcoscenico e la scenografia del Nightlife Tour dei Pet Shop Boys, evento di forte impatto visivo, e nel 2001 Hadid vince la competizione internazionale per disegnare il masterplan del One North di Singapore. Ha collaborato con diverse aziende di design, creando pezzi straordinari.